El ENCUENTRO. En defensa del arte contemporáneo. Resumen de los debates y conclusiones.
Fecha: 29 noviembre 2024
Lugar: Auditorio del Museo Nacional de Antropología de Madrid.
Duración: de 10 a 19 h.
Acceso libre hasta completar aforo.
El IAC organizó un Encuentro en el que participaron representantes de la Dirección General de Patrimonio Cultural y Bellas Artes del Ministerio de Cultura, directores de museos y socios de las asociaciones profesionales integrantes de la Mesa Sectorial de Arte Contemporáneo, así como reconocidos profesionales del mundo del arte contemporáneo.
Director: Carlos Jiménez. Historiador, crítico de arte y secretario de la junta directiva del IAC.
El programa incluyó cuatro mesas redondas, que abordaron los siguientes temas:
– La ley de Igualdad de género. Ponencia de María José Magaña, directora de exposiciones del Instituto Cervantes de Madrid.
– El código de buenas prácticas. Ponencia de Margarita Aizpuru, comisaria y crítica de arte.
– La profesionalización en el mundo del arte. Ponencia de Gloria Reguero, presidenta de la Unión de Artistas Contemporáneos de España.
– La financiación del arte contemporáneo. Ponencia de: Rosina Gómez Baeza, gestora cultural y socia fundadora de YGBART.
PROGRAMA
10 h. Introducción.
Saludo de Fernando Sáez Lara. Director del Museo Nacional de Antropología de Madrid.
Palabras de Adrián Piera. Presidente del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC).
Presentación del Encuentro: Carlos Jiménez. Secretario de la junta directiva del IAC.
10.30 h.
I. Mesa redonda: La ley de Igualdad de género. (Estado actual de su cumplimiento. Propuestas y recomendaciones).
Ponencia de María José Magaña, responsable de Artes Visuales del Instituto Cervantes, asesora y ex presidenta de MAV.
Participaron: Sara Rivera, consejera técnica, Dirección general de Museos Estatales, Dirección General de Patrimonio Cultural y Bellas Artes del Ministerio de Cultura. Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
David Trullo, artista y comisario,
Modera: Adrián Piera.
11.45 h.
II. Mesa redonda: El código de buenas prácticas. (Estado actual de su cumplimiento. Propuestas y recomendaciones)
Ponencia de Margarita Aizpuru, comisaria y crítica de arte.
Participaron: Marisa González, artista multimedia y Premio Velázquez de Artes Plásticas 2023. Manuel Segade, director del MNCARS, José Jiménez, socio fundador del IAC, filósofo, escritor y crítico de arte.
Moderó: Luis Francisco Pérez. Vicepresidente del IAC.
13 – 16 h.
Pausa para comer.
16.00 h.
III. Mesa redonda: La profesionalización en el mundo del arte. (Estado actual. Propuestas y recomendaciones).
Ponente: Gloria Reguero, presidenta de la Unión de Artistas Contemporáneos de España (Unión_AC).
Participaron: Esther Pizarro, artista, investigadora y profesora de la Universidad Europea de Madrid. Julieta de Haro, directora artística de Centro Centro. Isabel Durán, historiadora del arte y comisaria
Moderó: Mareta Espinosa. Vocal de la junta directiva del IAC.
17 h.
IV. Mesa redonda: La financiación del arte contemporáneo. (Estado actual. Propuestas y recomendaciones)
Ponencia de: Rosina Gómez Baeza, comisaria y gestora cultural.
Participaron: Idoia Fernández, presidenta del Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo. Tomás Ruiz- Rivas, director del [M]UMoCA. Ana Velasco, presidenta de FEAGC. Patricia Gabeiras, socia directora de Gabeiras & Asociados
Moderó: Fietta Jarque. Vocal de la junta directiva del IAC.
18- 19 h.
Sesión de clausura: Debate final y conclusiones.
Moderó: Carlos Jiménez
El contexto y la conmemoración del encuentro
El encuentro tuvo lugar en el Museo Nacional de Antropología, un espacio inusual, pero con conexiones significativas con el mundo del arte contemporáneo. La reunión fue organizada por el IAC para celebrar sus 20 años de existencia. El evento buscó reunir a diversos agentes del sector del arte contemporáneo para fomentar el diálogo, el intercambio y la promoción de acciones conjuntas, especialmente en defensa del arte contemporáneo. El encuentro contó con un servicio de streaming, que permitió seguir el evento a distancia y fue notable la cantidad de público asistente, que durante toda la jornada ocupó al menos tres cuartas partes del aforo del auditorio del museo.
Defensa del arte contemporáneo y sus desafíos
El lema del encuentro fue la defensa del arte contemporáneo, en respuesta a la percepción de protagonistas del sector de que el mismo no está recibiendo el trato que merece. Se mencionó que parte de la opinión pública no concede la importancia de la libre creatividad individual, y se subrayó que el arte contemporáneo a menudo se ve desacreditado por episodios como el del «plátano de Cattelan». Se enfatizó la necesidad de defender el arte contemporáneo frente a las fuerzas del capital y las tendencias autoritarias, resaltando su aporte a la cultura y su valor como manifestación de la libertad creativa.
Mesa I, La ley de Igualdad de género.
La ley de igualdad y su implementación
María José Magaña, responsable de artes visuales del Instituto Cervantes, abordó la ley de igualdad, señalando que, aunque existen leyes y decretos (22 leyes y decretos hasta 2024) que buscan la igualdad, el problema radica en su interpretación, implementación y en la falta de debate público al respecto. Destacó tres leyes fundamentales: la Constitución Española, la Ley Orgánica 3/2007 para la igualdad efectiva de mujeres y hombres, y la Ley 4/2022 para la igualdad real y efectiva de personas trans. Se subrayó que estas leyes marcan la evolución del feminismo y el respeto a la diversidad en España. También se hizo referencia al artículo de la Constitución de 1978, en el que consagra el derecho de la ciudadanía a no sufrir discriminación por razón de nacimiento, raza, sexo, religión u opinión, resaltando su vigencia y obligación de los poderes públicos de dar cumplimiento a este artículo de la Constitución. En especial en lo referido a la igualdad de los individuos y de los grupos. La Ley de 2007 fue destacada por su reconocimiento de insuficiencias detectadas en la aplicación del mencionado derecho constitucional y la necesidad de nuevos instrumentos jurídicos, así como la acción normativa para combatir la discriminación y aumentar el derecho de las mujeres. El artículo 26 de esta ley fue particularmente relevante, al mencionar la necesidad de mejorar la creación, la producción artística e intelectual y la difusión, así como la promoción de políticas activas de ayuda y la presencia equilibrada de las mujeres en espacios de decisión.
El papel de MAV y su activismo
Magaña también habló del papel de MAV (Mujeres en las Artes Visuales) en el activismo y la investigación. Se resaltó que MAV es una asociación con más de 750 socias que trabajan en diversos ámbitos de las artes visuales. La asociación tiene una línea de investigación para generar informes y participar en instituciones, y otra de activismo para generar movimiento en la calle. Se mencionó un trabajo importante en los museos, porque se generan espacios donde se transmite una narrativa y una experiencia, y que eso es muy importante para reivindicar una genealogía femenina. Un proyecto fundamental de MAV es la herramienta que ha diseñado para medir la igualdad en museos y centros de arte, que se está aplicando en la red de museos por la igualdad. Herramienta que se basa en una investigación con base teórica que tomó en cuenta los criterios de Nancy Fraser (redistribución, representación y reconocimiento), y que permite el autodiagnóstico de los propios museos. Esta herramienta es de uso gratuito y ha despertado interés incluso en el extranjero. Se busca generar reflexión y acompañamiento, en lugar de un simple examen, intentando que se tengan en cuenta a todas las diversidades.
Acciones desde el Instituto Cervantes
Se mencionó que el trabajo en el Instituto Cervantes cambió después de formar parte de MAV y su política de promover cambios desde dentro de las instituciones. Algunas acciones en este sentido, incluyen la creación del grupo de Mujeres Cervantes en WhatsApp, que sirve como grupo de presión. Se citó el estudio del IAC «En manos de las mujeres» sobre la paridad en las instituciones, donde el Instituto Cervantes se comprometió a participar en estadísticas y se dieron cuenta de que había grandes variaciones que dependían de quién estuviera en la dirección. Se empezó a trabajar más con comisariados de mujeres, encargando textos a críticas y diseñadoras. Algunos ejemplos incluyen la exposición de Marina Vargas «Las formas del alma» y otra exposición con el tema de mineros en donde se dio visibilidad a una minera. También se mencionaron encuentros con instituciones alemanas sobre memorias y un ciclo sobre mujeres al frente de colecciones de arte en España.
Museos estatales y perspectiva de género
Sara Rivera Dávila, de la subdirección general de museos estatales, habló de la inclusión de la perspectiva de género en los museos. Los 16 museos de gestión directa del Ministerio de Cultura buscan la renovación de discursos, la apertura a espacios de creación y la introducción de debates contemporáneos. Se busca una línea estratégica de trabajo común y la aplicación de la agenda 2030, con proyectos transversales por la igualdad de género. La investigación sobre las colecciones es fundamental para recuperar el patrimonio ausente y silenciado de las mujeres, con un enfoque interseccional y respeto a todas las identidades. Se implementan métodos de escucha activa con colectivos y se busca la inclusión en las narrativas. Se mencionó la participación en organismos internacionales como el programa Ibermuseos y la red de museos Nemo, así como la elaboración de un plan estratégico para la igualdad efectiva. Se trabaja en colaboración con MAV y se implementa la herramienta de autodiagnóstico.
Los museos estatales están realizando un trabajo importante en la renovación de discursos, la aplicación de políticas de adquisiciones destinadas a paliar vacíos en las colecciones y al fomento del arte contemporáneo. Se han llevado a cabo exposiciones de artistas contemporáneas como Isabel Muñoz, Sofía Crespo, y otras, así como proyectos de diálogo con las colecciones. También se promueve la mediación y actividades culturales con un enfoque inclusivo y el tema de la violencia de género, con museos como el de escultura de Valladolid, que es el primer museo punto violeta. Se mencionó el proyecto «El canto de las cecilias» en el Museo del Romanticismo. Se destacó que los equipos de los museos están formados en gran medida por mujeres y que también hay coordinadoras que supervisan la perspectiva de género.
El Museo Thyssen y la transformación feminista
Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen, describió el proceso de transformación feminista del museo. Esta transformación comenzó con una exposición en 2011 llamada «Heroínas» y un simposio dirigido por Rocío de la Villa. La transformación se centró en el programa, las colecciones y las exposiciones, en lugar de la estructura, ya que es más fácil cambiar un programa que una estructura. Se incorporó la igualdad de género, la sostenibilidad y los principios de la agenda 2030 a su visión. Se han realizado exposiciones monográficas de grandes mujeres artistas, como Sonia Delaunay y Georgia O’Keeffe, y programas con sentido político, como la serie «Cora» dedicada a artistas españolas contemporáneas vivas con perspectiva de género, y la serie de performance «Visión y presencia». La exposición «Maestras» fue un hito importante que recorrió la historia del arte a través de las mujeres, aunque encontró resistencias internas y externas. Solana defendió que estas exposiciones son necesarias como una acción afirmativa para rectificar la infrarrepresentación de las mujeres en el mundo del arte. También argumentó que las exposiciones colectivas son importantes para sacar a la luz nombres que habían pasado inadvertidos.
La perspectiva del artista y la realidad del sector
David Trullo, artista y comisario, aportó la perspectiva del artista, destacando la necesidad de visibilidad y presencia de las mujeres artistas, pero también resaltando que es fundamental que el sistema se revitalice. Destacó la importancia de las redes, los grupos, las investigaciones, y el trabajo en colaboración con los museos. Se puso en valor el trabajo de muchas artistas como Diana Larrea y María Gimeno, que están creando proyectos icónicos. Trullo también mencionó la precariedad del artista, especialmente de la mujer artista, y cómo esto afecta a su participación en el sector cultural. Señaló casos como concursos locales con escasa participación de mujeres y con coleccionistas que no invierten en mujeres artistas por considerarlas «erráticas». Algunas artistas también se sienten invisibilizadas si su obra no trata directamente temas de género. Trullo concluyó que las instituciones deberían bajar al «barro» y hacer programas más sostenibles, transversales y que se ocupen de la conciliación.
Mesa II. El código de buenas prácticas.
Los problemas del sector y el incumplimiento de las buenas prácticas
Margarita de Aizpuru, comisaria y crítica de arte e investigadora feminista, fue pragmática al poner sobre la mesa qué cosas quedan por hacer y las autocríticas necesarias en ciertos sectores. Señaló que, aunque se ha avanzado desde el código deontológico del IAC de 2011 y otros documentos, existe ua involución y un incumplimiento de las buenas prácticas, así como una injerencia política de partidos que han hecho retroceder los principios democráticos y de transparencia del sector. Hay un incumplimiento con respecto a los contratos y la generalización del contrato por escrito, puesto que muchas entidades hacen encargos de palabra. También existe intrusismo profesional por parte de espacios expositivos que cobran a los artistas por exponer, sin comprometerse con el fomento del arte contemporáneo como lo hacen las galerías de arte. Se denunció la falta de un IVA cultural reducido en España, algo necesario para competir con galerías extranjeras, así como la necesidad de ese mismo tipo de IVA para comisarios, gestores artísticos, etc. Se destacó la obligatoriedad de incluir honorarios y gastos para los artistas en los presupuestos, cosa que no siempre se hace. También se mencionó la obligación de las direcciones de museos y de centros de arte de responder a las propuestas de comisariado, así como el tema de la incompatibilidad y en los comités de compra y en los jurados cuando algún miembro de estos es artista o comisario. De Aizpuru denunció un caso en la junta de Andalucía donde la comisión del CAC incumplía el artículo 26 de la Ley Orgánica y la Ley de incompatibilidad. También resaltó que no se ha actualizado el código nacional de actividad económica para reconocer las actividades de artistas, comisarios y gestores culturales, y se denunció la privatización de la gestión de museos y centros de arte públicos, mencionando casos como el del ayuntamiento de Málaga y la fundación TBA21 en Córdoba. También denunció que muchos ayuntamientos designan a dedo directores de museos y centros de arte, incumpliendo la ley. Para terminar, insistió en la necesidad de un IVA cultural reducido, una ley de mecenazgo, el estatuto del artista y contratos escritos y no verbales, así como la necesidad de un mayor presupuesto para los museos públicos.
Reflexiones finales y propuestas
Marisa González, artista multimedia y premio Velázquez, informó que el código de buenas prácticas en Chile pide la remuneración de los artistas y de otros profesionales del sector, el respeto de los derechos de autor y el contrato por escrito, resaltando la necesidad de relaciones profesionales justas. Compartió experiencias personales en el mundo del arte donde no se respetan las buenas prácticas.
Manuel Segade, director del Reina Sofía, habló de la necesidad de la vigilancia y la responsabilidad dentro del sector artístico, así como de los espacios de trauma que existen. Mencionó que el Código de buenas prácticas de 2007 estaba dirigido al contexto institucional, mientras que ahora se debe poner más atención al estatuto del artista. Propuso crear laboratorios institucionales para generar modelos de contratos y solucionar los problemas que afectan a los artistas y comisarios, como el problema del freelance dentro de las instituciones. Terminó hablando del problema de los préstamos y depósitos de obras de coleccionistas privados en los museos públicos.
José Jiménez, filósofo del arte, habló de la importancia del IAC como centro de diálogo y convergencia entre los diversos sectores del arte y recordó que el nombramiento del director del Museo Reina Sofía por concurso fue muy importante en su momento. Señaló que la presencia del arte latinoamericano en España debería intensificarse, así como los nexos de unidad entre ambos mundos. Concluyó resaltando la importancia de la aceptación del trabajo artístico de las mujeres y de las personas LGTBI.
Mesa III. La profesionalización en el mundo del arte
La dificultad de definir que es un artista y cuándo y cómo se le considera profesional.
Gloria Reguero, artista y presidenta de la MAV, planteó la dificultad de definir como profesional a un artista profesional especialmente en las artes visuales, a diferencia de lo que ocurre en otras áreas como museos o galerías. La seguridad social considera a los artistas visuales como profesionales al estar dados de alta en el IAE, pero no los reconoce como artistas en sí mismos. Existe una contradicción ya que en el IAE los artistas visuales están en el apartado de profesionales y no en el apartado de artistas donde están los actores, los músicos etc. Esto refleja un problema estructural en la comprensión de la actividad artística, que se suma al hecho de que muchos artistas no obtienen ingresos suficientes para obtener la profesionalización. La definición de qué es un artista es un punto de conflicto. Explicó que la mayoría de los artistas deben compatibilizar su arte con otros trabajos debido a la falta de ingresos. Solo un porcentaje muy pequeño vive de su arte esto afecta la dedicación el tiempo y la calidad de la obra. La falta de recursos económicos también limita el reconocimiento a aquellos que pueden vivir sin trabajar. En las exposiciones todos cobran menos el artista quien a veces tiene que facturar como comisario para tener ingresos. Esto muestra una desigualdad en el reconocimiento del trabajo artístico la discontinuidad de la actividad artística también impide acceder a políticas fiscales adecuadas La ausencia de contratos claros y de protección laboral deja a los artistas vulnerables. También la remuneración es desigual y el peso económico de la producción recae sobre el artista.
Propuestas para la profesionalización y el cambio de `perspectiva.
Gloria Reguero propuso que se reconozca que estar asociado a organizaciones de artistas indica profesionalismo y planteó adaptar el modelo fiscal francés con ejercicios fiscales de 3 a 5 años para desgravar gastos. La creación de una mesa interministerial con Hacienda, Seguridad Social y Trabajo es fundamental para abordar el estatuto del artista. También propuso crear un estatuto europeo del artista La educación es clave para valorar el arte y las asociaciones deben presionar más, e insistió en la necesidad de reuniones cuatripartitas y en un código de actividades internacional para obtener datos fiables
El caso de Fernando Somoza y la ambigüedad del éxito
Gloria usó el caso de Fernando Somoza, un artista con formación, experiencia y reconocimiento, que sin embargo nunca vivió de su arte, como ejemplo de la dificultad para definir la profesionalidad en el arte. Somoza trabajó en cerámica para subsistir La profesionalización se enfrenta a la barrera de qué es un artista y que se le considere como tal, debido a que la mayoría de los tienen otra actividad para subsistir, con las consiguientes faltas de dedicación de recursos y espacio.
Problemas contractuales y remuneración:
Esther Pizarro relató su experiencia en Estados Unidos donde es natural hablar de contratos y remuneración, algo que contrasta con la situación en España donde hay reticencia a discutir estos temas abiertamente. Esto señala una problemática en la profesionalización del sector en España.
La precariedad como norma: Esther compara el trabajo de un artista con el de un equilibrista que camina sobre una cuerda floja entre la visibilidad y la precariedad, sin una red de seguridad. La precariedad es una constante en el sector del arte contemporáneo, y la red de apoyo es débil y está llena de fallos.
Amenazas concretas: Esther identifica varias amenazas para los artistas visuales:
Fiscalidad: La discontinuidad en la actividad artística no encaja en las políticas fiscales y el pago regular de impuestos en el régimen de autónomos es un gran obstáculo.
Economía personal: La necesidad de tener empleos complementarios muestra que la actividad artística no se valora como una profesión legítima que merece una retribución que permita la subsistencia.
Contratos y protección laboral: Hay falta de contratos claros y garantías de seguridad social en muchas actividades artísticas. Se necesita un mecanismo que proteja a los artistas de abusos e informalidades.
Equidad y remuneración: Los artistas suelen trabajar sin remuneración o con presupuestos bajos en exposiciones institucionales, mientras otros agentes del sector sí son remunerados.
Investigación y experimentación: Los proyectos que requieren investigación y experimentación no tienen financiación asegurada, especialmente si no tienen fines comerciales.
Consolidación profesional y edad: Hay falta de continuidad en programas de apoyo a artistas a medio y largo plazo y se margina a artistas mayores de 40 o 45 años en la búsqueda de becas o ayudas. La experiencia y la madurez no son valoradas, y la internacionalización del arte español es una asignatura pendiente.
Jubilación: La falta de un sistema de cotización adaptado impide que los artistas tengan pensiones dignas, perpetuando su desprotección incluso en la vejez. Esther concluye que es necesario construir un sistema donde la precariedad deje de ser la norma, y donde el arte pueda prosperar como un campo digno y profesional.
Definición de profesionalización:
Julieta de Haro se preguntó qué entienden los artistas por ser profesionales, extendiendo la pregunta a comisarios y críticos, asumiendo que cada uno tendría una definición diferente. La definición de qué es ser profesional en el arte es algo a lo que hay que dar respuesta.
Importancia del epígrafe en el IAE: Julieta destaca la importancia del epígrafe del Centro Nacional de Actividades Económicas (CNAE) porque influye en los temas de riesgos en la Seguridad Social. El IAE, que es tributario y depende del Centro Nacional de actividades económicas, genera una pescadilla que se muerde la cola, que es necesario abordar desde la base.
Historia del estatuto del Artista: En 1977, el Partido Comunista solicitó al Ministerio de Cultura una mesa interministerial para tratar el estatuto del artista. Para avanzar en este estatuto, es imprescindible una mesa interministerial que incluya Hacienda, Seguridad Social y Trabajo. Julieta señala que cualquier avance que se haga sin esa mesa interministerial es insuficiente.
Modelo francés: Julieta propone copiar el modelo francés ya que administrativamente es similar a España. En Francia se pueden generar particularidades dentro de la ley de autónomos y los ejercicios fiscales son de 3 a 5 años, permitiendo desgravar gastos de producción. Este modelo francés lleva décadas funcionando y sería beneficioso aplicarlo en España.
El Arte como creador de contenidos: Julieta criticó que se esté hablando del artista como creador de contenidos, ya que este término abarca muchas cosas más allá del artista. Le parece más grave esta definición que la de profesional.
Estatuto Iberoamericano: También critica que se esté trabajando en un estatuto iberoamericano sin haber resuelto el español.
Descentralización y credibilidad: En Francia, los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo (FRAC) descentralizaron la actividad artística y dieron credibilidad al coleccionismo privado. La visibilización del trabajo artístico por parte de instituciones da credibilidad a los artistas, que es fundamental para el mercado.
Internacionalización: Julieta critica que las políticas de internacionalización actuales no sean efectivas, ya que no se apoya a los artistas desde el ámbito nacional. Es necesario apoyar a los artistas desde el lugar donde se encuentran para expandir la visibilidad de su obra.
Posibilidad de cobrar por trabajos audiovisuales: Finalmente Julieta comentó que los artistas pueden cobrar por trabajos audiovisuales relacionados con sus exposiciones y por la dirección de vídeo.
Reconocimiento del Talento Artístico:
Isabel Durán comienza reconociendo la calidad y el talento de los artistas, a pesar de las dificultades que enfrentan. Menciona que los artistas son «genios» que hacen un trabajo excelente, que conmueve y enriquece a la sociedad, a pesar de las adversidades que enfrentan.
Vocación de servicio público: Isabel enfatiza que el trabajo de los artistas y de todos los profesionales del sector tiene una vocación de servicio público. Su labor es esencial para la sociedad, aportando riqueza y valor que a menudo no es reconocido por las administraciones. Hace referencia al código deontológico del IAC como ejemplo de que los profesionales del arte tienen un profundo sentido de responsabilidad social.
Importancia de la educación: Para Isabel, la solución clave para mejorar la situación del arte y de los artistas es la educación. Argumenta que es fundamental educar desde la escuela, enseñando a los estudiantes qué es el arte, cómo funciona y cuáles son las ventajas de comprenderlo a fondo.
Formación de profesores: Isabel consideró que una de las actividades más importantes que puede llevar a cabo es la formación de profesores en activo. Busca mostrar a los docentes la relevancia del arte, para que a su vez puedan transmitir ese conocimiento y apreciación a las nuevas generaciones.
Necesidad de perseverancia: Isabel reconoció que los problemas del sector son persistentes y que se repiten año tras año. Sin embargo, insiste en la importancia de perseverar y seguir luchando por el reconocimiento y el apoyo al arte. Comparte una anécdota sobre cómo ella y Concha Jerez a menudo se encuentran repitiendo las mismas demandas ante el ministerio, pero subraya la necesidad de no rendirse y de seguir adelante.
El papel de la escuela: Isabel recalcó que la escuela es la solución para revertir la falta de reconocimiento social al sector del arte.
En resumen, Isabel Durán se centró en la necesidad de reconocer el valor del trabajo de los artistas, la importancia de su labor como un servicio público y la necesidad de una mayor inversión en educación para que las nuevas generaciones aprecien y valoren el arte. Su enfoque es optimista, resaltando el talento de los artistas y reiterando la necesidad de perseverar en la lucha por su reconocimiento, a pesar de los desafíos.
Mesa IV. La financiación del arte contemporáneo.
La financiación y las estructuras de Apoyo
Rosina Gómez Baeza habló de la financiación del arte refiriéndose al Estado, las entidades privadas y el mercado. El Estado invierte a través de los gobiernos de las autonomías, los ayuntamientos y las diputaciones, pero se duda de la efectividad del mecenazgo que ejercen las entidades privadas porque sus colecciones no se renuevan. El mercado, aunque es importante, cayó en 2023. También habló de la autofinanciación de los artistas, la importancia del 2% cultural, la importancia de una ley de mecenazgo real y de un IVA cultural equiparable a Francia y Alemania.
Los problemas específicos del sector y las propuestas de mejora.
Rosina también dijo que hay que apoyar más a las galerías en ferias extranjeras y hacer estudios del sector. También propuso una agenda digital y atender necesidades de corporaciones para el arte. Se refirió de nuevo a la caída del mercado del arte en el 2023, para afirmar que quienes compran arte en la actualidad son las generaciones X y la Z. También destacó la falta de capacidad de los españoles a la hora de narrar historias, como sí lo hacen en otros mercados Propuso una mesa de trabajo para analizar las ayudas y el plan de subvenciones del ministerio.
Tomás Ruiz Rivas, artista y activista cultural, criticó las ayudas públicas a la creación porque en general son malas para los artistas, aunque son importantes para sustentar el tejido creativo y las prácticas innovadoras. El arte carece de industria, lo que obliga al estado a compensar estos desequilibrios. Las ayudas del Ayuntamiento de Madrid son las más importantes, aunque no son solo para artistas visuales. Las ayudas de la Comunidad de Madrid son de 300000 euros al año, un dato vergonzoso y el Ministerio de cuCtura no ofrece ayudas directas a los artistas, sino que las destinan a las galerías.
Las Ayudas y el Derecho a la Creación
Tomás señaló que el Ministerio ha publicado un plan estratégico de subvenciones para el 2024 a 2026 en el que el derecho a la creación no aplica para los artistas visuales. Los fondos se destinan a empresas, no a individuos Es un disparate que el ministerio destine apenas 100 millones de euros al año al derecho a la creación sin contar con los artistas visuales. La Comunidad de Madrid en vez de 300.000 debería destinar entre 40 y 42 millones como Berlín, que es un ente territorial equivalente. Llamó la atención sobre la necesidad de un grupo de trabajo para analizar dicho plan estratégico.
La perspectiva de las galerías y la importancia de la financiación pública
Idoya Fernández, galerista, destacó la importancia de la financiación pública para crear condiciones que permitan a los artistas trabajar, producir obra y y divulgarla. Esta es la base para generar coleccionismo y dinero privado, afirmó. Los programas deben orientarse a un sistema transversal, como el francés con los FRAC y los FNC. En Francia el 1% cultural va al arte contemporáneo y está ligado a producción artística. En España las ayudas son para ferias de arte en el extranjero y no para artistas o espacios de producción. La cifra que el Ministerio de Cultura planea para artes visuales es de 500.000 euros, mientras para artes escénicas es de un millón y pico. Dijo que no tenemos un ministerio que piense en los artistas.
La Gestión cultural y la necesidad de una política Clara
Ana Velasco enfatizó en la necesidad de una política cultural clara que marque el camino para el sector cultural. Las subvenciones son limitadas y dependen de presupuestos, las fundaciones se centran en proyectos de desarrollo social y la financiación pública debería ser la principal fuente. Se han conseguido sinergias y colaboraciones con otras entidades, pero desde dentro no se tiene la misma potencia. Existe una mesa sectorial de arte contemporáneo que no tiene los mismos medios que la del Inaem. Propuso un Iber del arte y una casilla en la declaración de hacienda para cultura. Se necesita, insistió, el apoyo del ministerio con políticas públicas.
El Derecho y la Cultura como bien esencial.
Patricia Gabeiras, abogada, resaltó la importancia del asociacionismo y la necesidad de estructurar los sectores. Planteó la cuestión de por qué las administraciones apoyan más o menos la cultura La crisis del covid ha traído la declaración de que la cultura es un bien de primera necesidad y un servicio esencial. La UNESCO ha declarado que es un bien público mundial y el G20 reconoce su importancia para el desarrollo económico. Dijo que la Constitución española ya decía también que hay que poner la cultura en el centro de las políticas públicas.
La Importancia del legado y la necesidad de un sistema estructurado
Patricia también se refirió a cómo la empresa privada está cogiendo un camino más relacionado con el propósito y el impacto y la necesidad que con la cultura. Con este tipo de empresas no existe un marco jurídico adecuado para el arte que remedie la inactividad de las administraciones públicas. Propuso demandarlas por inactividad, en el marco de un activismo judicial y una acción cultural. Afirmó que hay que exigir un sistema público de cultura. Aclaró que lo pequeño y quirúrgico no es suficiente y hay que ir a lo grande y a exigir un sistema público de cultura.
Concha Jerez, artista y premio Velázquez, afirmó que la autofinanciación de los artistas es enorme, que debería establecerse por ley que el 2% cultural vaya, como en Francia, al arte contemporáneo y ligado a producciones artísticas. También habló de los legados artísticos y de la necesidad de una legislación para que los mismos no se vayan a la basura. Que se reconozca en este punto el derecho de sucesión. Concluyó proponiendo que las leyes tengan jurisprudencia y normas posteriores.
Conclusiones y Llamados a la acción
En resumen el sector artístico se enfrenta a múltiples desafíos, desde la definición de profesional hasta la precariedad laboral, la falta de apoyo institucional y la ausencia de un marco jurídico adecuado Es necesario un cambio estructural que incluya la profesionalización del artista, la adaptación del sistema fiscal, el apoyo a la creación y el impulso de la educación artística y una financiación pública clara y contundente También se necesita un marco jurídico que tenga en cuenta las particularidades del sector así como una mayor unión y presión por parte de las asociaciones para hacer valer sus derechos
Sesión de clausura con un debate final y conclusiones. A lo largo de las mesas redondas, se plantearon diversos problemas y propuestas que sirvieron como base para las conclusiones. Aquí están algunos de los puntos clave que surgieron a modo de conclusión:
Importancia de la profesionalización y el reconocimiento del artista: Se destacó la necesidad de que los artistas sean reconocidos como profesionales, no como meros «creadores de contenidos». Esto implica la necesidad de contratos claros, honorarios justos y acceso a seguridad social. Se mencionó la necesidad de adaptar las políticas fiscales a la realidad de la actividad artística, incluyendo la discontinuidad de su trabajo.
El Estatuto del artista y la Mesa interministerial: Se hizo hincapié en la urgencia de que se retomen las discusiones y se avance en el desarrollo del Estatuto del Artista, incluyendo la creación de una mesa interministerial para abordar las cuestiones pendientes. Se propuso tomar el modelo francés como referencia, ya que ha demostrado ser eficaz en la protección de la actividad y los derechos de los artistas. Se criticó la falta de avances significativos en este estatuto, a pesar de la existencia de una comisión interministerial.
Necesidad de datos y análisis: Se planteó la necesidad de realizar estudios pormenorizados del sector para conocer las cifras de inversión, las tendencias del mercado y los perfiles de los coleccionistas. Esto permitiría tomar decisiones más informadas y diseñar políticas más eficaces.
Fomento de la educación y la participación ciudadana: Se resaltó la importancia de la educación para que las nuevas generaciones aprecien y valoren el arte. También se propuso fomentar la participación ciudadana en la toma de decisiones sobre la política cultural.
Apoyo a la internacionalización del arte español: Se criticó la ineficacia de las políticas de internacionalización actuales y la necesidad de apoyar a los artistas desde su lugar de origen, para expandir la visibilidad de su obra. Se sugirieron medidas para coordinar los esfuerzos de instituciones como el ICEX y la AECID para la proyección internacional del arte español.
Necesidad de unión y colaboración: Se hizo hincapié en la importancia de la unión y la colaboración entre las asociaciones del sector, los museos, las galerías y las administraciones públicas para lograr cambios significativos.
Revisión de las ayudas y subvenciones: Se planteó la necesidad de analizar el plan de subvenciones del ministerio y de corregir las deficiencias que impiden que el apoyo llegue a los artistas de manera adecuada. Se mencionó la necesidad de una mayor inversión pública en cultura, así como de una mejor gestión de los recursos existentes. Se propuso la creación de grupos de trabajo para analizar y corregir las deficiencias en las ayudas y subvenciones para el sector.
El papel de las asociaciones: Se destacó la importancia del asociacionismo para exigir a las administraciones públicas un cambio en la política cultural.
Importancia de los legados artísticos: Se discutió la necesidad de proteger el legado de los artistas, mediante el reconocimiento de sus derechos de sucesión y otras medidas.
Financiación del arte y el Mecenazgo: Se propuso fomentar el mecenazgo por parte de las empresas privadas, así como la revitalización de las colecciones de arte ya existentes.
Colaboración público-privada: Se sugirió, como punto de partida, equilibrar la colaboración entre el sector público y privado, estableciendo un sistema con unas estructuras básicas, unas instituciones y una financiación comunes. Después se orientará la colaboración público-privada dependiendo de la ideología del gobierno de turno.
En general las conclusiones apuntaron a la necesidad de una transformación profunda en la forma en que se gestiona y se apoya el arte contemporáneo en España, abordando problemas estructurales y promoviendo la colaboración entre todos los agentes del sector.